“对话艺术大师，纵享绘塑盛宴”——2023级美术学专业上海考察
第八届约翰·莫尔绘画奖（中国）作品展
一、约翰·莫尔绘画奖介绍
约翰·莫尔绘画奖是 1957 年创办于英国的绘画赛事，每两年举办一届。约翰·莫尔绘画奖完全以作品品质是论，参赛者投稿作品以匿名方式接受评选。67 年来，它在英国绘画中一直位居领导地位，其一等奖被视为国家绘画比赛的最高荣誉。作为利物浦双年展的一部分，大赛获奖作品与入围作品在利物浦国家美术馆步行者画廊展出。在以往获奖者中涌现出大卫·霍克尼，彼德·多依格，理查德·汉密尔顿等国际知名画家。
约翰·莫尔绘画奖赛事，秉持公平、公正、公开的大赛宗旨，自 2010 年引进中国，到 2025年已成功举办了八届赛事，收到来自中国各地数以万计的投稿作品，现已成为跨越中英两国、每两年举办一届的常规艺术赛事，也由此“发掘”了一大批优秀艺术家，为中国当代绘画的探索性研究，为发现与推介潜在的中国优秀艺术家，提供了一个令人兴奋、强而有力的国际平台，同时也为中英两国当代绘画的学术研究与交流提供了新的范例与文献。
二、展馆介绍
久事美术馆是由久事集团出资设立的美术馆群落的核心场馆，位于上海市黄浦区的外滩27号，原为怡和洋行的办公楼。自2018年正式对外开放以来，久事美术馆以其独特的艺术展示和公共教育活动，成为提升上海城市软实力和文旅产业的重要力量。
久事美术馆作为群落核心场馆，美术馆的面积约为1400平方米，依托国际国内艺术大师佳作策划众多综合性、国际性大展，在国内外艺术交流中架起桥梁，让观众领略艺术大师的深邃思想与精湛技艺，感受东西方艺术碰撞交融的火花。曾举办的展示内容包括从赵无极的抽象艺术风格到当下的第八届约翰·莫尔绘画奖（中国）获奖作品展览。此外，久事美术馆还定期举办各类公益讲座和公共教育活动，全力打造“艺术手工坊”“外滩文化沙龙”“小小讲解员”等公共教育品牌，邀请业界知名人士、艺术家和学者与观众互动，促进艺术与观众生活的紧密结合。
不仅如此，久事美术馆为全球艺术机构和艺术家提供交流切磋的平台的同时，也助力海派艺术乃至中国艺术走向世界拓宽道路，在国际艺术舞台上展现风采。
画作介绍
三、部分作品感受
李授图《冷餐》
这幅画在展厅之中，和着冷冷的灯光，从远处看过来，一个餐盘被孤单的挂在墙上。餐盘上六个格子井然有序，餐盘一尘不染。在最左边是一双筷子，其余格子都摆着药片。上面三个药片整齐地摆放，而在正常餐盘里，这里本应该是装菜的格子，在下面最右边，放着的是并不整齐稍显凌乱的药片，在其左边是已经拿出来的零散的药粒。而餐盘外面，咋一看是洁白的桌面，但仔细观察，有折痕跃然，这样一看，比起桌面来，更像是包药的药纸。而药盘里的药，也是菜。每个药片都打开了来，药粒聚集在一起，正如在吃饭一样，而在纸上的整个餐盘，却又像药一样。
“吃药就像吃饭喝汤。”当代人常说的这么一句话，也是现代快生活的体现。当代生活，“冷餐”替代了“热餐”，时代的快速发展，医疗科技的发展，人们不重视身体，不按时吃饭，使身体受损，要吃更多的药来调理身体，如此反反复复，药就当饭吃了。还有另一种看法，也就是当代由于人们追求快速，快生活是现代社会发展的产物，其特点在于高效与快节奏，虽然它带来了效率提升，但也伴随着心理压力和健康问题，比如减肥之类，使“药”变成餐，也使“餐”变成药了。当代人这样的生活，是时代科技发展的体现和生活加速的展现。也许作者还有另一些看法和自己的思考，但这幅画依旧能让观众有无限的思考。
陈红举《我们从哪里来，我们是什么，我们要去哪里》
这幅画首先从题目开始，便吸引了观众的目光。“我们从哪里来，我们是什么，我们要到哪里去”，在绘画史上，也有这么一幅著名的绘画作品，就是高更的《我们从哪里来？我们是什么？我们要到哪里去？》。这一幅哲学三问，是他对生命、存在与死亡的终极叩问。在哪一幅画中，有着这么三段：一段是右侧，画着婴儿与三名女子，象征生命的诞生，也就是“我们从哪里来？”，中央是采摘果子的青年，代表亚当摘取智慧之果，隐喻人类的生存与欲望，即“我们是谁？”。而在左侧，则画着蜷缩的老人与白鸟，白鸟抓蜥蜴象征生命被死神攫取，意味着死亡与终结，也就是“我们到哪里去？”。这也与高更当时破碎的心境有着明显的反映。
回到这幅画中，也分为了三段，最左边是黑暗的背影，这个背影正是一个提步快速走的姿态，但是可以明显的看到，他的头转向了右边，似乎有什么吸引了他的目光。那么那边是什么呢？在中间，是一段幽暗的巷子，尽头是一片黑暗，不知通向何处，在最右边，是一个远处的人影，但并不是影子的状态，有灯光照在他的身上，但他也是一个走动的姿态。画面以房子灯光人影组合在一起，贯穿三段画面的地面巧妙地将画面融合成一个整体，并以暗衬亮，亮衬暗的方式来对人物进行了一个突出。
若是按照高更的绘画含义，那么这幅作品左边也代表着“我们要去哪里”，黑色的背影向阴影处走去，但是却频频回头，是否表现了作者对未来的迷茫？中间是“我们是谁”，而回应他的是一片不知通往哪里的黑暗。右边是“我们从哪里来”，但这个人影站在光中，作者是否对这个问题有了自己的答案？我们不得而知，对于这三个问题有没有答案，可能只有画家本人知道了。
林兆乐，《炁的图像》
作品以茶水为媒，在泼洒罩染间捕捉“炁”的能量流动，建构虚实相生的生命图式。艺术家林兆乐使用了他日常生活中所引用的茶水，经过在布面上反复泼洒、涂抹、罩染，制造持续的不确定性。他认为这种创作状态，好似道教中提到的“炁”，始终处于一种游离、生长、消解、重构、变化的状态。中华民族的先辈们从来都是把炁作为物质来对待的，而且是与人类生命有极大相关的，无论从任何角度来讲，人体生命须臾也离不开炁。炁是宇宙间、时空中、万物生化的根本。是一种基本的微观隐态物质。《黄帝内经﹒素问》中云：“炁始而生化，炁散而有形，炁布而蕃育，炁终而象变。”万物的化育、生长、繁殖、消亡，都是由炁贯穿其始终，炁是万物的基础和根本。而这幅作品也有着充分的可探讨性，它不仅承载着人的身体，更承载着人的经验、回忆与期待。诚如本届评委、苏格兰国立美术馆现当代艺术馆长西蒙·格罗姆（Simon Groom）博士所言：“因此，这也许是一种精神内核，所以它可能是作为中国文化的产物而产生的，但它具有普遍意义和普遍影响，它与那些甚至没有中国文化背景的人对话。”
崔雨潇，《无格律 自由诗》
作品描绘了一个再平常不过的日子，五只小猫慵懒地在墨绿色沙发上躺着，享受着这样自由的时光。画面中所出现的物品也都是家中常见的，沙发的左侧两个纸箱子堆叠而上有一幅日本的浮世绘，好像完全是一个在平常不过的客厅环境。但当它在人们面前铺展开来时，便给人放松惬意的感觉。橘猫仰躺在沙发上，露出白净的肚皮；带有黑色条纹的猫猫，将一只爪子和头伸出了沙发，而其右侧的奶牛猫更是伸着懒腰。有一只猫穿到了沙发靠背上趴在那里似乎在打盹，而沙发最左侧的黑猫已经进入了梦乡。
再仔细想，这样无所事事，仅仅是在消磨时光的日子，在当下这样一个快时代显得弥足可贵。作品贴近现实的叙事，以去戏剧化的平视视角，没有戏剧化的冲突，没有复杂的图像结构，色彩也都如同家居环境本身，忠实复刻了沙发面料的绒毛反光的真实质感。而这反映出艺术家对个体感受的自由和社会生活的切身体验。或许它不是后现代潮流的方向，但这不由得让人想起，“因过竹院逢僧话，又得浮生半日闲”。在忙碌和疲惫中，难得地获得了片刻的宁静和闲适。这是对浮生半日闲的珍视也是对生命的热爱，在平淡的生活中也暗含伟大。
约瑟夫・马洛德・威廉・透纳（1775 - 1851）年少成名，14 岁入英国皇家艺术研究院，26 岁当选院士，其艺术成就超越时代。本次浦东美术馆《对话透纳：崇高的回响》展览，精选作品展现他挥毫自如、极具现代性的创作风格，贯穿其创作生涯。展中借伦敦泰特美术馆藏画，探讨 “崇高” 概念，并穿插理查德・朗等当代艺术家作品，以 21 世纪视角诠释，印证透纳艺术的持久影响力。
《对话透纳：崇高的回响》
约瑟夫・马洛德・威廉・透纳（1775 - 1851）年少成名，14 岁入英国皇家艺术研究院，26 岁当选院士，其艺术成就超越时代。本次浦东美术馆《对话透纳：崇高的回响》展览，精选作品展现他挥毫自如、极具现代性的创作风格，贯穿其创作生涯。展中借伦敦泰特美术馆藏画，探讨 “崇高” 概念，并穿插理查德・朗等当代艺术家作品，以 21 世纪视角诠释，印证透纳艺术的持久影响力。
1、画家简介
约瑟夫·马洛德·威廉·透纳（1775—1851）是英国艺术史上最具革新精神的画家之一，被公认为现代绘画的先驱。他出生于伦敦科文特花园，自幼展现出非凡的艺术天赋，14岁便进入皇家艺术研究院学习，并于1790年首次参展。透纳以富有表现力的笔触和大胆的色彩运用闻名，被誉为“光之画家”，其作品以捕捉瞬息万变的光影与氛围见长。他一生游历西欧各地，在户外直接写生，记录不同天气与时间下的自然景象，再于工作室中完成创作。尽管其实验性技法曾引发争议，但如今已被视为艺术史上的重要突破。
透纳的艺术不仅关注传统风景，更积极拥抱工业时代的变革。他对蒸汽船、火车等新技术主题的描绘，以及自由奔放的表现手法，使其被视为激进的艺术革新者。他的画作打破了古典构图的束缚，以动态的笔触和朦胧的光影表现现代世界的速度与能量。这种前瞻性视角使其作品跨越时代，至今仍具有强烈的感染力。
在透纳晚年，他将毕生创作遗赠给英国，现存于泰特美术馆的收藏规模惊人——包括300幅油画、数千幅水彩与速写，以及300本写生簿，总数超过3万件。这些作品展现了其从早期写实到晚期抽象的风格演变，成为研究19世纪艺术的重要宝库。透纳的遗产不仅在于技艺，更在于他挑战传统的勇气，为后世艺术家开辟了全新的创作道路。
—楼放映厅内，37分钟的纪录片《乘风而行》作为该展的引子以细腻的镜头语言铺开透纳的一生。从放映厅穿过到侧室，是独立于《对话透纳》大展又相连的一个小展《色彩研究》。
本展厅中的这些色彩研究在透纳的作品体系中很难被明确归类。透纳辞世后，其工作室中留存的大量同类型作品，反映出他对自然元素探索的不懈追求。由于这些速写的主题并不总是清晰可辨，因此常被称为“抽象”作品。接着，本展的正片开始。
序曲：一间暗室
透纳不仅是一位画家，更是一位视觉体验的创造者。他通过独特的“暗室仪式”引导观众调整视觉感知，以更敏锐地感受画作中的光与色彩。这一做法体现了他对戏剧性效果的追求，也呼应了浪漫主义时期对强烈情感与感官体验的重视。他对光的研究贯穿其艺术生涯，尤其体现在夜景速写中——月光与暗影的交织、色彩与明暗的微妙平衡。他深受歌德色彩理论的影响，认为每种颜色都是明与暗的结合，并避免使用纯粹的黑白，转而以光谱混合来塑造光影。
不同于“海与天空”系列画作的动态美学。透纳在“海上月光“作品中。以月光为引，夜色为幕，画面营造的是宁静祥和的氛围。而画面中的月色呈现着极强的穿透性。月光以极为明亮的白色呈现，月光背后天空底色的呈现以水彩晕染为主，而行于天空的云再用一层颜料绘制。使得天空轻盈而富有重量感。和谐缺又富含变化。视觉上月色从云层后而来，穿过云层，月色朦胧缺又笃定，观者被月色吸引，月色也在凝视着人。人的视线下意识看着画面中的月亮，周围的景色如同卫星，环绕这这颗太阳，缓缓运作。
这幅《月光，米尔班克习作》挂在展厅的中心位置，19世纪英国著名艺术评论家约翰·拉斯金曾表示，这幅画“仔细研究了真实的月亮，并如实表现出了月光洒在地平线的画面”。浦东美术馆的展签中提到：“透纳将木星画进了画面，也佐证了他对夜空的亲身观察,画面中这颗行星在月亮上方闪耀，很容易被误认为一颗恒星。根据天文学家依照木星位置进行的计算，几乎可以肯定这幅画记录的是1796年8月19日的月出。这幅画的场景继承了克洛德·约瑟夫·韦尔内、菲利普·德·卢瑟堡和约瑟夫·赖特等艺术家的传统，他们的月光绘画推动了18世纪夜景题材的蔚然成风。透纳或许还想到了17世纪荷兰风景画家阿尔特·范·德·尼尔的夜景画，后者擅长于描绘月光的效果。但与那些高度风格化的作品不同，透纳这幅画给人的印象是自然主义的。”
此外，当代艺术家凯蒂·帕特森在《全食》中延续了对光影的探索，用镜面球投射日食影像，模糊昼夜界限。有趣的是，透纳本人也曾记录日食现象（1804年“日食速写本”），显示他对自然光影变化的持久兴趣。
Ⅰ始于英国的风景
尽管英国幅员有限，但其地貌的多样性——从湖区的柔美丘陵到威尔士的险峻群山，从多塞特郡的起伏原野到康沃尔嶙峋的海岸——为透纳提供了无尽的灵感。他深入自然，以速写直接捕捉风雨、光影的瞬息变化，再通过工作室的创作将写生、记忆与想象融合，转化为充满戏剧性的风景画。这种方法，奠定了他早期声誉，同时体现了他对自然崇高力量的浪漫沉思。
在展厅内另一位艺术家的作品也独具特色，理查德·朗等艺术家以身体介入自然，但他们的创作更趋概念化：行走的轨迹、石块的排列成为艺术本身，而照片或地图仅是过程的记录。
浦东美术馆的展签对其思想内涵进行了较为详细的阐释：
理查德·朗从1969年开始就用文本进行创作。他将这些作品描述为展现其行走“最好、最纯粹、最合适的形式”。有时朗采用纸上作品的形式、有时则直接将文本刻字贴在展厅墙面上。在这幅丝网版画中，艺术家用两列单词和暗示性短语，来描述1980年在达特穆尔国家公园的两次平行的12英里行走路线。朗列举了在第一次行走中遇到的各种地形地貌，如牧场、河流、沼泽、丘陵和突岩，来唤起这次行走的回忆;又通过简短的文字传递出第二次行走中转瞬即逝的现象和身体体验，包括地面上闪闪发光的霜冻、落到地平线的太阳、踩着踏石过河以及在湿软的沼泽地里艰难前行。第一列的名词是以和行走相反的顺序排列的:步行的起点是位于列表最下方的登德尔荒野，步行终点则是列表最上方的东达特河。然后，他又从终点的半英里外开始往回走了12英里，从第二张列表最上面的“遇见落日”开始，到最下面的“黑暗”结束。朗对词语的运用显示了语言引人联想的力量，同时又体现了其局限性。这类作品能在观众的脑海中勾勒出在乡间漫步的多感官复杂体验，但也只是间接的。
透纳的浪漫主义凝视与大地艺术的形式主义虽路径迥异，却共同追问着同一命题，即艺术家如何以不同方式体验并诠释人与自然的关系？透纳的写生是“将自然转化为图像”的传统，而大地艺术则试图“让自然成为艺术”。前者追求情感的升华，后者强调行动的痕迹。透纳的遗产或许正在于，他既是最早的“户外写生先锋”，也无形中预见了后世艺术与自然更直接的碰撞。
艺术家们笔下的画面从浪漫主义时期对自然崇高的描绘，到当代艺术对宇宙现象的再现，人类始终在艺术中寻求对未知的诠释。 透纳的艺术提醒我们，创新往往源于对基本元素的重新思考，这一点在当代艺术中仍有着很大的影响力。
Ⅱ 进入山间
透纳在1802年首次游历欧洲后，阿尔卑斯山的雄伟景观成为他艺术创作的重要源泉。这位英国画家冒着巨大风险穿越险峻的山脉，通过速写与水彩直接记录下自然界的原始力量，这些现场写生后来成为他工作室中极具戏剧性创作的基础素材。
在《格劳宾登州的一次雪崩》中，透纳将亲身经历的山体形态与想象中的灾难场景完美融合，尽管没有任何史料证明他亲眼目睹过雪崩现场（从画面视角来看，真实经历这样的灾难几乎不可能生还）但他对山体结构的深刻理解使这场虚构的自然灾害呈现出惊人的真实感。观众在面对这幅作品时，既能感受到毁灭性的自然威力，又能体会到某种令人战栗的审美体验。
阿尔卑斯山变幻莫测的光线环境激发了透纳对色彩系统的持续探索，他系统记录天空、积雪与水面之间的色彩反射关系，积累的数千幅色彩习作推动其发展了突破传统的用色方式，这些实验性的色彩处理不仅为画面注入强烈的视觉冲击力，更形成独特的氛围表现手法。透纳在光色研究方面的成就启发了莫奈等印象派画家对自然光的解析，其影响通过不同艺术流派持续扩散，最终奠定了现代风景绘画的色彩理论基础，影响全球一代又一代的艺术家。
作品描绘了雪和巨石从山坡上直落而下，摧毁沿途一切事物的情形，透纳运用了多种技巧来表现这些激烈的场面:有力的笔触描绘阴郁的天空，用调色刀刮抹模拟出倾泻而下的雪。同时，他还直接用手指混合颜料，用手作画。尽管透纳在1802年已经对阿尔卑斯山很有了解，但并没有证据表明他曾向东行至格劳宾登州，或他曾经亲眼目睹了一场雪崩。
作品中出现的建筑是洛桑的圣母大教堂（西侧）。透纳描绘洛桑的速写，以梦幻般的色彩运用而闻名。这幅水彩画描绘了夕阳西下时的情景，景色被浸润在橙色、粉色和黄色的光线中。大教堂则沐浴在带些许红色的粉色调中，在朦胧的天空中显现出轮廓;而太阳则被左侧高大的柏树遮住了一部分，并将前景中熙熙攘攘的当地居民部分笼罩在阴影中。
Ⅲ 历史的崇高
这幅取材于奥维德《变形记》的作品，表面上描绘了希腊神话中光明之神阿波罗战胜巨蟒皮同的经典场景，但透纳的笔触并未停留在戏剧性的冲突上。画面左侧，疲惫不堪的阿波罗紧握着弓，沐浴在阳光下，而巨蟒则被阴影笼罩。这只怪物缠绕在一棵倒下的树上，它的痛苦通过其变形的下颚、扭曲的尾巴以及地上的大滩血迹表现出来。然而，一条小蛇从其伤口里钻出，向人们暗示着：善恶之间的斗争仍将继续。约翰·拉斯⾦在1857年的《⻢尔博罗⼤楼的透纳展厅笔记》中将这幅作品称赞为“透纳最⾼贵的作品之⼀”。
透纳根据提香同一主题的著名画作，创作了这幅油画。根据希腊神话，阿里阿德涅是克里特的一位公主，也是国王米诺斯的女儿。她被雅典英雄忒修斯遗弃在纳克索斯岛，在那里被酒神巴克斯发现并成为他的新娘。
透纳采用了提香的构图，但将风景中的人物变得更小，从不同的角度来表现它们。另外，透纳还加上了上方的城市和下方的河流，阿里阿德涅站在水边，看到巴克斯和他的随从追上来的景象而受到了惊吓。在提香的画作中，酒神巴克斯的姿势让人想到了著名的古希腊雕塑《掷铁饼者》，透纳在这幅画中也采用了这一姿势。最为引人注目的则是天空的颜色，充满了黄橙色的薄雾。一位热情洋溢的评论家曾将其描述为“光的华丽爆炸——是真正意义上的日光迸发”。
Ⅳ威尼斯：崇高之城
透纳在1802年首次游历欧洲后，阿尔卑斯山的雄伟景观成为他艺术创作的重要源泉。这位英国画家冒着巨大风险穿越险峻的山脉，通过速写与水彩直接记录下自然界的原始力量，这些现场写生后来成为他工作室中极具戏剧性创作的基础素材。
阿尔卑斯山变幻莫测的光线环境激发了透纳对色彩系统的持续探索，他系统记录天空、积雪与水面之间的色彩反射关系，积累的数千幅色彩习作推动其发展了突破传统的用色方式，这些实验性的色彩处理不仅为画面注入强烈的视觉冲击力，更形成独特的氛围表现手法。透纳在光色研究方面的成就启发了莫奈等印象派画家对自然光的解析，其影响通过不同艺术流派持续扩散，最终奠定了现代风景绘画的色彩理论基础，影响全球一代又一代的艺术家。
《威尼斯叹息桥、总督宫及海关大楼:正在画画的卡纳莱托》
《威尼斯-午间》
透纳的威尼斯系列作品带领观众走进了一个充满诗意的威尼斯世界。他对海湖风光的观察也极为敏锐，将威尼斯的光影交错展现得淋漓尽致。在这些画作中，威尼斯不再只是一个简单的地理概念，而是成为了透纳对光线、色彩以及水面、石面反射进行沉思的载体。透纳笔下的威尼斯，不仅是一场视觉上的极致享受，而且是一次情感上的深度触动。
Ⅴ海上风暴
透纳的海景画在其作品中占据了极为重要的地位，数量超过其作品总数的一半，涵盖了捕鲸船、渔船、海岸等多种主题。这些作品构成了他最具力量和感染力的系列之一，生动地捕捉了海洋的危险与不可阻挡的力量，以及在大自然面前人类的渺小与无力。
透纳的海景画不仅展现了海洋的危险与神秘，他还创作描绘捕鲸船队活动的作品，生动地记录了人类在面对大自然的渺小。在透纳的画作中，这些描绘大海的作品通过透纳娴熟而富有动感的绘画技巧，将大海的凶险展现得淋漓尽致。海上风暴的力量在这一刻被赋予了强烈的冲击力，仿佛让人置身于那惊涛骇浪之中。
Ⅵ海与天空
透纳的画作既展现了自然元素的狂暴力量，又流露出诗意的美感。他笔下的天空与海洋充满隐喻，技法上也大胆突破。
《有浮标的海景》约1840年，布面油画
在《有浮标的海景》中，透纳摒弃了传统构图，用汹涌的海浪抓住观者视线，浮标则暗指画面之外的危机。这样的处理手法引导人们沉浸于海浪的律动之中，引发深思。
《平坦海滩上的巨浪》约1835-40年，布面油画
透纳十分欣赏英格兰东南部的海岸风光，他从19世纪20年代末开始，便定期造访肯特郡东端附近的马盖特，他认为塔奈特岛拥有欧洲最美的天空。《平坦海滩上的巨浪》这幅油画速写很可能与他某次在马盖特的旅行有关。
布斯夫人位于港口正面的小旅馆为透纳提供了一个理想的视角，让他可以观察到海岸和海面上不断变化的天气状况。
虽然这幅画的主题看似是前景中打湿了沙滩的海浪，但透纳主要的关注点在于肉眼可感知的风的行动：快速飘移的云朵拂过狂风肆虐的海面。我们并不清楚艺术家的住所内是否有工作室，而尽管这件作品可能是在现场画下的，但也有相当可能是他在回到伦敦后按记忆所画。
《东考斯海角的船运》1827年，布面油画
19世纪30和40年代，随着透纳寻找绘画的新方向，他对不同天气状况下大海、沙滩以及太阳之间关系的描绘，也变得愈发往印象派及抽象的方向发展。至于他视这些作品为创作中的过程稿、实验性作品还是未完成的作品，我们也不得而知。
Ⅶ 透纳晚期:自然的崇高
尽管透纳晚年饱受健康问题困扰，同时面临艺术界的质疑，但他创作的热情与创新精神丝毫未减。这一阶段不仅诞生了他最具代表性的杰作，更见证了他在绘画技法和材料运用上的重大突破。后世艺术界对透纳晚期艺术生涯的持续关注，催生了不少传奇色彩浓厚的解读。
《风景与水》约1840-45年，布面油画
在艺术革新的道路上，透纳凭借深厚的艺术造诣和娴熟的技巧，既关注现代社会的科技进步，又保持着对宗教、历史和神话传统的思考。
《威尼斯和安康圣母圣股》约1840-45年，布面油画
《威尼斯狂欢节》约1845年，布面油画
他晚年创作的大量作品专注于光影与氛围的表现，画面中几乎摒弃了具象元素和地形特征——这种前卫的风格甚至被当时的评论家误认为是未完成之作。
《波涛汹涌的大海与海豚》约1835-40年，布面油画
然而，艺术家工作室里保存的大量习作证明，这些作品已经达到了透纳心目中的完成状态。这些创作更多是艺术家内心探索的结晶，而非对外界评价的回应。透纳晚期的艺术实践，清晰地展现了他对现代绘画发展的前瞻性。
《佩特沃斯的长地容》约1835年，桃花心木板上油画
正是这些突破传统的晚期作品，为20世纪至今的抽象艺术运动提供了重要启示。
结语
被誉为"光之诗人"的英国绘画大师约瑟夫·马洛德·威廉·透纳，以其革命性的艺术语言在世界艺术史上镌刻下永恒印记。这位风景画巨匠不仅以恣意奔放的笔触和瑰丽磅礴的色彩重新定义了绘画的可能性，更以先知般的艺术直觉，在十九世纪就预示了现代艺术的审美取向。这种超越时代的艺术预见性，使其作品至今仍如明灯般指引着当代艺术家的创作道路。
从泰晤士河畔的写生少年到英国皇家美术学院的泰斗，透纳用画笔构筑了一个光影交织的视觉王国。其作品所蕴含的艺术能量，历经两个世纪的时光洗礼，依然焕发着震撼人心的生命力，持续启迪着一代代艺术朝圣者的心灵。
罗丹
“美到处都有，对于我们的眼睛，不是缺乏美，而是缺乏美的发现。”——奥古斯特·罗丹
2025年5月8日，23级美术学班来到上海罗丹艺术馆参观展览《罗丹：现代雕塑的启承》。展览涵盖6个主章节与2个特别章节，汇集106件作品，其中48件为罗丹真迹，22件借展自法国罗丹博物馆。首次离法的《思想者》初稿（彩色石膏像）、《青铜时代》《夏娃》《巴尔扎克》《加莱义民》等经典之作均在此呈现，全景式展现罗丹从写实到现代的艺术脉络。罗丹是西方雕塑史上举足轻重的开创性人物，他的作品深刻影响了西方雕塑史和西方艺术。尽管当天上海阴雨连绵，同学们的热情也没有丝毫减退。
1、回顾||奥古斯特·罗丹
奥古斯特·罗丹（1840—1917）是法国现实主义雕塑巨匠，被称为“西方雕塑史上划时代人物”，与学生马约尔、布德尔并称为欧洲雕刻“三大支柱”。他的主要作品有《思想者》《青铜时代》《加莱义民》《巴尔扎克》等。
他生于巴黎普通家庭，14岁入波提特设计学校学雕刻，早年在修道院完成《艾马尔院长胸像》，1875年赴意大利研究多那太罗、米开朗基罗作品，奠定了创作根基。
罗丹一生都在突破学院派束缚，不断融合传统与创新。他对古希腊雕塑的深刻理解使得他的作品架构了西方近代雕塑与现代雕塑之间的桥梁。他视“生命”为艺术核心，认为美不仅在于外在形式，更在于内在精神，当时人们认为丑的事物不是艺术品，而罗丹则极力反对，以自己的作品阐述了真正的美。罗丹认为，艺术中的丑既是指外无表、内无真，一切欺骗就是丑的。在罗丹的一些作品中，他不刻意追求感官享受，认为残缺也是一种美。此外，他的创作兼具力量与细腻，如《吻》《永恒的偶像》，前者以直白情感冲破世俗压抑，后者则展现了对女性的尊重。1916年，他将全部作品捐给法国政府，次年逝世，享年77岁。
2、展览||代表作品
罗丹的创作以深刻的心理刻画与突破性理念闻名。罗丹成名作《青铜时代》创作于1877年，以比利时士兵奥古斯特·涅依为模特，通过男性裸体展现“人类最初觉醒”的象征意义。罗丹移除原设计中的长矛，聚焦躯体的感性与心理力量：人物舒展身躯，似挣脱束缚，虽迟疑却充满生命力，肌肉线条因写实手法格外逼真，甚至被误会“用真人翻模”。这一“诬陷”反使作品关注度激增，其对裸体语言的探索打破传统叙事框架，成为罗丹摆脱学院派、走向现代雕塑的重要起点。
《加莱义民：穿衣服的皮埃尔·德·维桑》
1884年，罗丹受委托为加莱市创作纪念雕塑，打破当局仅塑单像的要求，以英法百年战争中六位自愿赴死的市民为原型，塑造群像。作品摒弃英雄主义美化，刻画人物“痛苦、痛楚和宿命”：他们露顶赤足、颈系绳索，通过放大的手、头、脚与个性化姿态，传递牺牲前的悲壮与内心冲突。如领袖德·圣皮埃尔前倾跨步、握拳持钥匙，神情兼具坚定与哀痛。罗丹以真实情感对抗纪念碑的“光荣叙事”，用群像的多元表情揭示英雄主义的复杂内核，成为人文主义雕塑的典范。
《地狱之门》
《地狱之门》是他耗时37年的未竟巨作，灵感源于但丁《神曲》，共塑造186个挣扎的人体，中央的《思想者》以托腮沉思的裸体巨人形象，象征人类对苦难的审视与精神觉醒，成为罗丹艺术的标志性符号。《巴尔扎克像》摒弃传统写实，以披睡袍的夸张体量和模糊面部特征，捕捉作家的精神气质，虽因“丑陋”引发争议，却成为现代雕塑的先驱之作。
《夏娃》
《夏娃》作为《地狱之门》组雕之一，以蜷缩抱胸的姿态诠释人性挣扎。罗丹以写实技法雕琢肌肉纹理与皮肤质感，却保留粗粝凿痕，营造“未完成感”：人物低垂头颅，双臂紧掩身躯，悔恨与痛苦凝结于眉梢，蜷缩体态既显羞涩，又似在倾听命运召唤。光影在凹凸表面流动，强化躯体的重量感与情感张力。作品突破古典美范式，将“原罪”主题转化为对人类脆弱与坚韧的凝视，未完成的肌理更赋予其“正在生成”的生命力，成为罗丹“残缺即美”理念的经典注脚。
《阿芙洛狄忒》
罗丹1913年创作的《阿芙罗狄忒》灵感源于俄罗斯芭蕾舞者尼金斯基的动态。罗丹以“舞蹈”重构爱神形象：人物后仰举手，肢体如空中舒展的羽翼，裙裾褶皱似随韵律波动，模糊的面容引导观者聚焦动态——指尖微颤仿佛触碰空气，躯干曲线形成张力十足的“S”型，定格舞蹈中“即将腾空”的瞬间。罗丹通过夸张变形，将传统静态女神转化为情感载体：她不再是完美符号，而是充满生命力的舞者，以肢体语言诠释爱之流转。此作打破雕塑的时空限制，以动态叙事赋予古典题材现代性，展现罗丹对多元艺术形式的融合创新。
《巴尔扎克》
耗时七年创作的《巴尔扎克》是罗丹晚年代表作。作品以文豪夜间漫步为原型，塑造其披睡袍、凝眸夜空的形象：宽大衣袍包裹身躯，舍弃细节刻画，仅突出硕大头颅与深邃目光，粗粝表面与简练线条强化“思想者”特质。罗丹为捕捉精神气质，曾制作多版裸体草稿，最终以“写意”手法超越形似——睡袍的褶皱如波涛涌动，暗示文字创作的澎湃力量。尽管因“丑陋”引发争议，却被视为现代雕塑里程碑：其对精神性的极致追求，打破古典写实桎梏，开启表现主义先河。
罗丹的作品打破古典程式，以生命感与批判性架起近代与现代雕塑的桥梁，至今仍被视为人文主义艺术的巅峰。他的雕塑作品坚实而充满力量，褶皱皮肉之间又充满着艺术家独有的温柔与细腻。他的灵感与技巧通过石膏、青铜等材料流传至今，我们目光在他作品上的每一次停留，即是与他智慧和思想的一次跨时空碰撞。
结语
罗丹及其作品在西方艺术史上有着无可比拟、不可撼动的地位，他对“生命”和“美”的独到见解使他的作品格外富有艺术气息和细腻情感。鉴赏罗丹的作品，不仅可以学习大师技法，更能感受到罗丹对于“人”的敬畏、对于艺术的追求。
大雨瓢泼易停，探索之径无尽。对艺术的探索也是我们的本趟研学之旅的追求，迎着艳阳与狂风，对着艺术作品发出提问，对着艺术家进行跨时空的对话，我们也将从有限的艺术作品中探索无尽的艺术之理。
